Писсуар Дюшана, стулья Кошута и перфоманс Абрамович. Как появилось современное искусство
Арт-менеджер BIZAR Надежда Марченко рассказывает, как зарождалось современное искусство и почему оно важно.
Первые шаги в этом были сделаны еще на рубеже XIX-XX веков. Смелые заявления появились уже во второй половине XX века. Послевоенные годы заставляли учиться строить жизнь заново. Это коснулось и искусства – художники начали искать другой язык, другие средства и материалы выражения.
Современное искусство противопоставляло себя модернизму, напрочь порывало с традицией и шло своим, пока неизведанным и экспериментальным путем.
Почему же мы называем современным искусством то, что создавалось почти сотню лет назад? Прежде всего важно определить, что понимается под понятием «современное искусство». Как правило, имеется в виду искусство актуальное (так называемым «contemporary art»). Оно относится к середине XX века, насущее и злободневное, со смыслами, в которых нуждается общество.
Концепция превыше всего
Истоки современного искусства уходят еще в глубокие 1870-90-ые годы. Технологическая и научная революция отразились на всех сферах жизни. Искусство же всегда было реакционным, поэтому никак не могло оставить безответным все то, что творилось вокруг.
Даже революционная «наука о бессознательном» Фрейда получила визуальное воплощение через искусство и оказала свое влияние на него. Сюрреалисты часто обращались к психоанализу в своих образах.
Ключевое понятие для современного искусства – это концепция. Художнику важно выразить внутреннюю ценность произведения и собственную философию. Содержание всегда гораздо важнее формы.
Искусство не должно эстетически радовать глаз и создавать ощущение гармонии, как это было ранее. Оно заставляет всматриваться и отыскивать идею в нелепом и подчас спорном внешнем виде работы.
Допускается даже дематериализация произведений искусства, поэтому особенно популярными стали перформансы и хэппенинги (форма современного искусства, процесс без четкого сценария, действия которого являются по большей части импровизацией, в которой участвуют и художник, и зрители).
Основная цель – подтолкнуть зрителя к размышлениями, шокировать, перевернуть сознание и открыть новый взгляд на мир.
Как писсуар стал искусством
Марсель Дюшан, «Фонтан», 1917 г.
Кажется, что процесс формирования современного искусства смутный и абстрактный. На самом деле, есть одно яркое событие в арт-мире, которое перевернуло с ног на голову представления об искусстве как таковом.
Считается, что именно оно стало началом большой и увлекательной истории совриска.
Все случилось в 1917 году, когда художник-дадаист Марсель Дюшан купил обычный писсуар в магазине сантехники в США. Он принес его в студию, перевернул на 90 градусов и подписал своим псевдонимом R. Mutt (с франц. – дурак). Теперь этот объект уже носил гордое название «Фонтана» и был отправлен на выставку Общества независимых художников в Нью-Йорке. Комиссия, в которую входил и сам Дюшан, не могла знать загадочного автора произведения и такой революционный жест не оценила – «Фонтан» просто не допустили к показу.
Работа Дюшана стала первым примером реди-мейда (от англ. – готовый) в создании искусства уже было не столь важно физическое участие автора и создание произведения своими руками, сколько его интеллектуальная и концептуальная составляющая.
Помимо этого Дюшан сделал новое высказывание о роли творца – ведь искусство прежде всего не материальный объект, а та идея, которую художник туда вложил.
Это расширило границы: теперь большая философия, возможно, стоящая за маленькой подписью, и есть доподлинный художественный акт.
Великий замысел художника оценили только в начале 60-х годов XX века. Маркетинг сыграл ключевую роль в формировании психологии масс: зародились крупнейшие бренды, лого которых опережает функциональность и определяет популярность.
Тогда общество наконец ощутило бесповоротные изменения жизни с ее массовым производством товаров, похожих друг на друга как две капли воды. Чем дальше, тем большую ценность приобретала вещь уникально-концептуальная.
Самые знаковые работы современного искусства
Джозеф Кошут, «Один и три стула», 1965 г.
Инсталляция Джозефа Кошута «Один и три стула» продолжила традицию Дюшана. В ней художник также открыл кардинально новый для того времени художественный язык. В нем простая форма скрывала более глубокий смысл.
Инсталляция «Один и три стула» состоит из самого стула, его фотографии и словарной статьи.
Замысел художника заключался в том, чтобы при каждой новой экспозиции появлялся новый стул и его фото, но статья оставалась прежней.
Таким образом поднималась проблема отношений между объектными, визуальными и вербальными обозначениями — все три «стула» были моделью науки о знаках. Разве не во всех трех проявлениях стул остается стулом в любом случае? Или единственный стул здесь тот самый, материальный, что стоит на полу?
Рождается противоречие между разными формами одного объекта в мире, что нарочито подчеркивается в названии – это и один стул и три стула одновременно.
Дэмьен Херст, «Физическая невозможность смерти в сознании живущего», 1991 г.
Еще один пример, когда название работы определяет ее значение. Извечный вопрос и проблема конечности всего живого не оставляет в покое не одно поколение. Глубинное отрицание смерти на сознательном уровне заставляет не верить и не принимать ее осуществимость.
Человеческое сознание слишком ограничено той неизвестностью, что скрывает за собой смерть – именно поэтому она становится невозможной.
Марина Абрамович, «Ритм ноль», 1974 г.
В неаполитанской галерее художница Марина Абрамович, радикальная сербская художница и акционистка, проводила свой перформанс под названием «Ритм ноль» — на столе перед ней лежали 72 предмета, начиная яблоком и заканчивая пистолетом.
Правила были просты: каждый мог взять любой предмет и сделать что угодно по отношению к художнице. Она же стояла неподвижно, никак не реагируя на действия участников.
Перформанс исследовал силу и влияние толпы – он наглядно показал, как меняются человеческие представления о дозволенном в определенных обстоятельствах. Один из посетителей чуть не застрелил Абрамович. Художница рассказывала, что вечером того же дня у нее появилась первая седая прядь волос.
Ай Вэйвэй, «Падение урны династии Хань», 1995 г.
На этих фотографиях китайский художник разбивает не простую вазу, а вазу династии Хань возрастом более 2 тысяч лет и стоимостью около 1 млн долларов. Жест был символом того, как китайские власти на самом деле относятся к многовековым традициям народа.
Современное искусство – это живой организм, многогранный и развивающийся. Мы можем наблюдать результаты впечатляющих экспериментов, технологий и методов, которые являются знаком времени, акцентом на проблемы общества, и, конечно, исследованием «вечных» вопросов бытия.
Мало какие достижения человечества способны так воздействовать на восприятие, именно поэтому искусство способно так увлекать и не оставлять зрителей равнодушными.
